"The crow, the owl and the dove"

He tenido una semana tan ajetreada que me había olvidado por completo de actualizar mi Diario.
Sin embargo, hoy me alejo un poquito de la típica información que os suelo ofrecer para traeros un proyecto personal que necesito que veáis. Es un videoclip (grabado y editado por mí) que he presentado a un concurso de Nuclear Blast.
     Por supuesto, no se trata de un trabajo profesional (aún no dispongo de medios a mi alcance como para permitirme un resultado más pretencioso...) y es totalmente sin ánimo de lucro. Tan solo aspira a intentar alcanzar el podio, pero he de confesar que los puestos están muy reñidos. Hay otros concursantes de igual o mayor calidad al mío, en cuanto a storyline y en cuanto a montaje/edición/aspectos técnicos.
Pero como una lo último que pierde siempre es la esperanza y la ilusión, os adjunto el vídeo de youtube para que podáis disfrutar del montaje final. Espero que os guste, pero no puedo pedir que os emocione.

     Las reglas del concurso dictan que el vídeo ganador será elegido por la propia banda, Nightwish, conjuntamente con la discográfica Nuclear Blast. Sin embargo, también se tendrá en cuenta el gusto del público, por lo que las visitas y los "likes" resultarán cruciales a la hora de tomar un veredicto. Los vídeos ganadores serán subidos a la cuenta oficial del grupo y además, sus creadores, tendrán la oportunidad de conocer a los integrantes de la famosa agrupación finlandesa de metal sinfónico.
Reconozco, abriéndome un poco a vosotros, que obtener ese premio para mí sería cumplir uno de mis grandes sueños, pues soy fan de su música desde que era una criaturilla adolescente. No tengo muchas expectativas de victoria, pero eso no quita que me anime la idea de que unos de mis grandes ídolos puedan visionar mi videoclip (aunque tampoco sea, realmente, una opción muy probable).

Aquí os dejo el vídeo y el enlace (se disfruta mejor en pantalla grande). Espero que perdonéis mi humilde spam.



¡Un gran abrazo!

Mis escenas favoritas: De Niro también baila al son del cancán

Me metí de lleno en el tema con la anterior entrada de esta sección, así que voy a aprovechar la línea y a poneros otra divertida escena del estilo. No quiero hablar mucho sobre ella, porque de nuevo, las imágenes hablan por sí solas y prefiero que permanezca su pureza en el mayor grado posible. La sorpresa es mejor cuando es mayor.

  Os la introduzco un poco hablando sobre la película en cuestión a la que pertenece la curiosa secuencia, "Stardust", una cinta que mezcla fantasía, aventura, entretenimiento, comicidad y un pequeño toque de romance. 

  El reparto hace las delicias del todavía un poco nuevo director Matthew Vaughn (Snatch, cerdos y diamantes; Kick-ass; X-Men: Primera generación), trabajando hombro con hombro con actores de tanto renombre  como Michelle Pfeiffer, Claire Danes, Ian McKellen, Peter O'Toole, Mark Strong e incluso el sinvergüenza de Ricky Gervais. Pero si hay que señalar una actuación estrella, aunque este hombre casi en cualquier película se merece ver escrito su nombre en en mayúsculas y subtrayado, es la del brillante Robert De Niro. En esta ocasión da vida al capitán Shakespeare (la originalidad del nombre tiene su historia), un temido y cruel pirata, que surca los cielos junto a su sanguinaria tripulación. Su reputación le precede y el último deseo de cualquier mortal sería toparse con él. Sin embargo, los protagonistas sufren la terrible fortuna de acabar atrapados en su barco.

   Poco a poco el capitán se abre emocionalmente a nuestros héroes y descubrimos sus inquietudes, sus miedos  y también sus gustos... Pero el postre es servido directamente al espectador, con esta sabroso momento en el que podemos descubrir una nueva faceta del actor que se aleja bastante de su habitual imagen de oscuro, violento y amenazador (si me apuras, no hay un solo hombre en este mundo que no se haya sentido aterrorizado por la idea de encontrarse con un suegro tan preocupante como De Niro en la saga de "Los padres de ella").
  Sin más demora, aquí os dejo el vídeo:

    Para mí, lo mejor es la cara de Mark Strong cuando se encuentra de lleno con tal panorama.
    Bueno, ahí tenéis la moraleja, no os dejéis llevar por la reputación de las personas y vivid siendo siempre fieles a vosotros mismos. Citando al propio capitán, "la reputación de un hombre se construye durante años y puede destruirse en un segundo".

Mis escenas favoritas: Dulce travestismo

Hoy os traigo una escena musical muy especial e insólita. "The Rocky Horror Picture Show" no es un film que el espectador común tenga en su listado de películas vistas o pendientes de ver. Sin embargo, contra todo pronóstico y cifras de recaudación, los años la convirtieron en una película de culto que hasta hoy día se continúa proyectando de manera esporádica en algunas salas.

   Para cualquiera que se atreva a verla, aviso que su delirante y lunática trama, así como los carismáticos y volubles personajes, no dejan a nadie indiferente. 

   En concreto, el personaje que se hace completamente con la película, desde su primera aparición hasta su melodramático final, es el doctor Frank-N-Furter. Lo que os pongo aquí hoy no es otra cosa que su tarjeta de presentación.

   Para meteros un poco en situación, un hombre (Barry Bostwick) y su prometida (Susan Sarandon) se pierden en el medio de la nada cuando su coche se estropea bajo una tormenta. A lo lejos, ven una mansión, a la que deciden acercarse con el fin de pedir ayuda. No obstante, jamás habrían podido imaginar lo que encontrarían en aquella extraña casa... 

   Todo el carácter enigmático y el misterio del doctor queda revelado en la siguiente secuencia, tan brillante e ingeniosa como demente y estrambótica. Os pido que la veáis antes de seguir hablando sobre ella, porque cuando se trata de imágenes así, las palabras sobran mucho:

    No la encontré subtitulada en español, una lástima, porque la letra es bastante ingeniosa. Y no os molestéis en buscarla en castellano, porque nunca daréis con ella. Esto se debe básicamente a que, evidentemente, con todo lo que se estaba cociendo en la década de los 70, no hubo ni una productora que se aventurase a estrenar esta película en nuestro país. Así que, hasta donde yo sé, no encontraréis "The Rocky Horror Picture Show" doblada en español, solo en V.O.S. (mejor).

Tim Burton se une a la moda de los vampiros en "Dark Shadows"

   Faltaría más. El director más gótico, romántico y oscuro no podía pasar esta racha sin ofrecer su propia creación sobre el mundo vampiresco. Aunque quizá esa expresión no sea la más acertada, porque el nuevo proyecto (ya en post-producción) del cineasta se basa en una serie de los sesenta emitida por la ABC. La originalidad y singularidad de Burton se une también a la moda de Hollywood de los remakes y las versiones.

Qué jovencito se ve a Depp en este fotograma

   Pero es de esperar que este director, siempre sorprendete a bien o mal, nos enseñe algo nuevo y rebosante de su estilo personal en su próxima película, "Dark Shadows".
   De momento, los primeros trailers y poster de la cinta nos dejan buen sabor de boca. Fiel a sí mismo, Tim Burton parece querer entregarnos una estética entre "Sweeney Todd" y "Big Fish" (el colorido del poster es estimulante).

  Cómo no, el actor protagonista no podría ser otro que su actor fetiche, Johnny Depp, que se pone en la piel de Barnabas Collin. Mucho estarán ya cansaditos de tanta colaboración, pero no me podéis negar que es una combinación explosiva y pocas veces decepcionante. Además, se hace patente el buen rollo que hay entre ambos y eso se nota en el exitoso resultado.
  Acompañan al camaleónico actor otras habituales, como Michelle Pfeiffer o Helena Bonham Carter.
  Para que sepáis un poco de qué va la historia, os pongo el recién estrenado trailer (en inglés, lo siento). Mientras esperamos al estreno de "Dark Shadows" (en abril lo hará en los EEUU, en España, no tengo ni idea...), solo queda desear que se pase por fin esta moda de los vampiros que tan saturados nos tiene (y aún queda pendiente de estreno la segunda parte de "Amanecer", que Dios nos pille confesados...). Unos cuantos años de descanso y respiro no estaría mal, así el género podría regresar con más fuerza y nuevas ideas. Pero, por favor, no más vampiros adolescentes hormonados por ahora.

 

Videoclips: sexo, religión y rock'n'roll

Se ha convertido ya casi en una costumbre que los artistas actuales nos sorprendan con símbolos o referencias religiosas en sus videoclips, no sin el acompañamiento de una leve polémica que suele favorecer la venta de singles y álbumes. No obstante, hace tan solo un par de décadas la primera artista que se atrevió con un contenido irreverente, sugerente y religioso, fue objeto de numerosas críticas e insultos por parte de la comunidad cristiana (que no es poca).

   Todos la conocéis. Proclamada muchas veces como la reina del pop, una joven e inmadura Madonna se atrevió a realizar un videoclip de tema y localizaciones religiosas, con una lectura muy sexual.

  ¿Queréis saber toda la historia que existe detrás de la poderosa producción de Like a prayer? ¡Primero echad un vistazo al vídeo!

   En cuanto a la realización del vídeo, Madonna asumió el liderazgo y obtuvo una clara demostración de cómo llegó a ganarse su título. Si unos pocos años atrás, en el ochenta y tres, Thriller unió el cine y la música en un perfecto género artístico, la cantante supo sacarle partido. Otros vídeos suyos anteriores a este ya se colocaron al frente de la vanguardia musical, pero con Like a prayer, primer sencillo del álbum del mismo nombre, Madonna quiso ir un paso más adelante. El vídeo posee un montaje muy delicado, con planos muy novedosos y un argumento muy osado. Y es en la historia que esconden las transgresoras imágenes dónde surgió la raíz del problema.
 
    A la Iglesia no solo le mosqueó la continua aparición de elementos religiosos en el vídeo. Porque, si os habéis parado un momento a analizarlo, nunca nadie antes se había aventurado a mostrar cruces ardiendo en  una pantalla. Incluso lo del santo negro ya era un poco fuerte para la época, lo creáis o no (estamos hablando de hace casi treinta años). Pero lo peor se ocultaba tras la ofensa visual, en el sentido del clip.

Videoclips: El primer videoclip de la historia

¡Buenos días! Hoy me he despertado muy musical, así que aprovecho para darle un empujón a esta sección (si los medicamentos me des-espesan un poco y la fiebre me da tregua).

   Hoy plantearé una cuestión por la que muchos de vosotros seguro que os habréis interesado alguna vez. 

¿Cuál fue el primer videoclip de la historia de la música? 

    Hoy día, en plena era de la información, creeréis que es una respuesta de muy fácil solución. Tan sencillo como echar la vista atrás, comparar fechas y señalar al elegido. Pero la complicación surge a raíz de preguntarnos qué podemos considerar como vídeo musical.
    Elvis, The Beatles y otros grupos de las primeras generaciones del pop y el rock ya realizaron grabaciones de la interpretación de sus temas en directo. Sin embargo, el montaje del vídeo se limitaba a mostrar a los músicos tocando desde varios ángulos y algún plano espontáneo a un público entregado. Hasta que llegó Strawberry Fields Forever:



   Durante años, este ha sido considerado como el primer videoclip de la historia. Muchos siempre han creído que lo fueron Video killed the radio star o Bohemian Rhapsody por las distintas perspectivas que ofrecían y la repercusión de los mismos. Pero no. Una vez más, el grupo británico más importante del pop, fueron los oficiales fundadores de lo que hoy entendemos como vídeo musical.
   El clip, muy confuso y verde en la composición, el montaje y el estilo, jugaba con diferentes imágenes, colores y efectos tan desconcertantes como bizarros. Los fans de Coldplay sufriréis muchas reminiscencias si os atrevéis con el extraño vídeo (la banda liderada por Chris Martin demuestra una vez más que van un poco faltos de originalidad, pero no de buenísimas influencias).

Crítica: "John Carter"

Antes de comenzar el blog, en una declaración de principios personal en cuanto a este espacio, prometí ser lo más sincera y cercana posible. Aunque a veces me pase con los tecnicismos o las cuestiones artísticas, un amigo mío me confesó hace unos días que gracias a eso (que yo consideraba un defecto de cara a la aceptación y el entendimiento de los lectores) estaba aprendiendo un montón sobre cine. Espero que muchos de vosotros compartáis esa opinión y a los que no, lo siento, pero a raíz de esa conversación me parece una maravillosa iniciativa continuar con mi personal modo de redacción.

     Sin embargo, los lectores debéis saber que en una crítica (literaria, de cine, de música, de cualquier cosa) nunca se va a tratar una cuestión que se pueda valorar desde la imparcialidad. Somos personas, y por mucho que os intenten vender la moto, nuestras opiniones y gustos siempre influirán sobre nuestro supuesto criterio objetivo. Cierto es que siempre tratamos de empatizar, de observar los productos desde fuera de nosotros mismos… Pero lo veis todos los días: en la televisión, en la radio, en lo periódicos, hasta en los informativos… No existe la objetividad perfecta en la comunicación.

   Hasta nuestro estado físico contribuye a la dirección de la perspectiva de una crítica. Por eso, hacednos y haceros un favor a vosotros mismos, tomándoos nuestras valoraciones como una mera opinión (desde un punto de vista, quizá, más completo y entendido)  sobre el arte. Probad, experimentad, comprobad. El arte está vivo y juega con nuestras perspectivas y emociones personales. No os fieis nunca al cien por cien de una crítica cinematográfica y si tenéis interés especial sobre una producción en particular, no os echéis para atrás por un par de calificativos negativos que leáis.

   Os animo a que vayáis al cine. O ya, ni eso, a que veáis cine, por vosotros mismos (sea como sea, no entraré en cuestiones de legalidad o derechos). Nuestras palabras son tan solo unas guías para ayudaros a entender, a disfrutar o a visionar con mayor integridad una película. En mi caso, además, suelen ser una motivación para invitaros a visitar las salas, por eso suelo ser tan positiva y bondadosa en mis calificaciones finales.

   Esto no significa que no podáis fiaros de vuestro instinto o del “boca a boca”, siempre que estéis bien informados. “The Artist”, galardonada con cinco Oscars, se ganó también a la crítica desde el primer segundo de metraje proyectado. Aun así, muchísima más gente de la que creéis (e incomprensiblemente) salió más que decepcionada de sus respectivos cines, hasta el punto de reclamar su dinero. Como dictamina el saber popular: para gustos los colores.
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   Después de esa parrafada humilde, pesada y honesta, comienzo la crítica de la nueva película de la Disney: “John Carter of Mars”. Os pongo en situación y confieso a qué narices venía todo lo dicho: durante la proyección de la película me dormí. Esto no significa que “John Carter” sea la cinta más soporífera de la década. Mi pequeña cabezada esporádica fue tan solo una desafortunada consecuencia del increíble cansancio que padecía esa noche, que no me permitió disfrutar en su totalidad de los seis euros que pagué.

   Así que antes de leer mi opinión, tened en cuenta que a lo mejor gran parte de mi valoración queda ensuciada por el hecho de que no estaba yo en muy buenas condiciones de pasar aquel viernes-noche encerrada en una sala de cine penumbrosa.

   Ya os hablé hace unas semanas sobre estaproducción que ha surgido de la enésima unión del ratoncito y la lamparita. Entonces os hablé sobre la sinopsis de la misma, si mal no creo recordar. Así que en vez de repetirme, que ya lo hago bastante, hoy os diré quien es el responsable de esta criatura que fue dada a luz en nuestro país la semana pasada.

   “John Carter”, como la han bautizado nuestros compatriotas, o “John Carter of Mars” (título original de la cinta) está basada en una de las obras del magnánimo Edgar Rice Burroughs, que a muchos os debería sonar por ser el creador del personaje de Tarzán. En esta ocasión, los hollywoodenses han adaptado, si no me equivoco, “A princess of Mars” (“Una princesa de Marte”), en la que el escritor elaboró toda una cultura y fauna marciana de la que luego beberían casi todas las obras de ciencia ficción (“Star Wars” es una de ellas).

   En cuanto a la adaptación, me fío del criterio de mi padre (que ha leído la novela), que dice que no está nada mal.

   De la dirección de la misma se ha ocupado Andrew Stanton, aquel ser al que deberíais adorar por llevar al celuloide fabulosas perlas de la compañía como son “Buscando a Nemo” o “Wall-E”. Esta vez se atrevió con su primer film de animación parcialmente real, pero con evidentes guiños Pixar.

   Para el tratamiento del CGI y la animación digital no puedo encontrar otra descripción más certera y breve: impresionante. Se disfruta mucho del 3D, al contrario de lo que otras veces ha podido llegar a ocurrir con algunas producciones recientes, y los afortunados que la visionen en IMAX van ha flipar en colores. Toda esa millonada invertida en los aspectos visuales está más que justificada tras pasar por la sala. Disney debería enorgullecerse de ser el primero que nos transporta a Marte, porque verdaderamente el espectador se integra al completo en la película.

   Los tharks son los seres verdes más simpáticos y carismáticos que he visto nunca en la ciencia ficción. El mérito probablemente sea de Burroughs, pero como no lo sé, yo se lo agradezco a Disney, ya un experto en crear nuevas y criaturas y seres para el recuerdo, por su carácter, sus costumbres, su aspecto físico y demás.

  Todo bien hasta ahora, pero nos adentramos en el escarpado terreno del guion y el montaje…

    Sobre el guion, yo tengo muy claro qué es lo que falla. En sí, la historia es entretenida, divertida en ocasiones (tiene sus puntos de humor muy bien calculados), romántica y muy disfrutable. ¿Qué ocurre? Que estamos ante la voz del eco de tantas obras cinematográficas que estamos hasta hartos de ver… Y eso priva a “John Carter” de una personalidad propia. Otras cintas anteriores, que poseen múltiples referencias o han estado inspiradas en esta novela de Burroughs, le han robado la esencia, y nos dejan frente a una película muy visual con un trasfondo tan repetido y obvio que… se hace insulsa. Lo único que me sorprendió, dejando aparte el primer contacto con el extraordinario mundo de Barsoom, fue el final, pero a cualquier podría resultarle predecible (a mí no, ya os digo).

    La historia de amor entre John Carter y la princesa Dejah Thoris, aunque se entrevea desde la primera mirada que cruzan, resulta muy precipitada. A la primera de cambio ya se están besando y aunque ambos actores son muy atractivos, al público estoy segura de que se le hace increíble tanta y tan temprana pasión.

   A los “malos de la historia” les falta profundidad y desarrollo. No sabemos en ningún momento y con exactitud qué les mueve a hacer lo que hacen, ni siquiera inclus cuando tratan de explicarlo. Y tanta cuestión política a veces se hace algo confusa, culpa del montaje. Un montaje, os adelanto, denso, con un desarrollo lento a excepción algunos momentos muy brillantes, repletos de épica.

   Taylor Kitsch interpreta a un John Carter algo plano, emocionalmente. Además, en cuanto llega a Barsoom pierde muchísima carisma, pero hay que reconocer que su presencia nunca se ve del todo eclipsada por ningún otro personaje. Es el máximo protagonista y siempre se hace notar con una fuerza atractiva muy importante. Lynn Collins, la princesita de Marte Dejah Thoris, está maravillosa. Un poco niñata inmadura y caprichosa al principio, pero precisamente estos defectos la convierten un personaje muy creíble (¡basta ya de héroes perfectos y desinteresados!). Además, es guapísima. 

    Willem Dafoe pone voz y movimiento al jefe de los tharks, Tars Tarkas. Él único personaje que puede presumir de liderazgo y poderío. Del resto, solo puedo destacar a Mark Strong, que siempre hace de malo y me tiene muy harta. Es impresionante siempre, un grandioso actor, pero ¡qué nos deleite ya con una interpretación un poco alejada de su registro habitual…! Algunos queremos verle brillar.

   Gran parte del elemento épico lo aporta la banda sonora, que en tantos momentos me recordó a Hans Zimmer, aunque su auténtico autor es Michael Giacchino (de cuya música yo me enamoré cuando trabajaba en la serie Lost).

En resumen, recomiendo esta película a cualquiera que disfrute con la buena ciencia ficción. Pero tened todos en cuenta que se trata de una cinta muy superficial, aunque épica a momentos.  Eso sí, yo la considero perfectamente entretenida y disfrutable.

     Como una última curiosidad, quiero señalar que la producción de esta película lleva en mente en la Disney desde los años 30 del siglo pasado. Si se hubiera realizado entonces, puede que hubiese ganado muchísimos puntos a su favor… Pero esto es lo que tenemos, y para qué mentir, no está nada mal.

CALIFICACIÓN: 6

Mis escenas favoritas: Oh capitán!

¿Quién no ha visto alguna vez "El club de los poetas muertos" y ha deseado (o habría deseado) tener un profesor tan peculiar y carismático como John Keating (Robin Williams)?
   Hoy os pongo esta escena por una razón muy particular: yo SÍ que tengo un profesor de literatura así. O, al menos, muy similar (porque espero que durante el curso no se dé ningún caso de suicidio entre mis compañeros; perdón por el spoiler). Y esta entrada va dedicada a él, ya que @J2V_C2 me recordó esta mañana lo genialoso que es poder disfrutar de unas clases tan locas, divertidas, profundas y simpáticas. La Odisea nunca me pareció tan entretenida.

   Sé que hay muchos compañeros que se amuerman en sus horas, pero a mí me parece una oportunidad maravillosa que una persona tan completa comparta con nosotros todos sus conocimientos y valores, y además con tanta autenticidad y entrega.
   Da gusto comprobar que aún existen profesores (DE UNIVERSIDAD, porque mira que hay algunos a estas alturas que... vamos, un crimen para la enseñanza) que todavía sienten pasión por formar a los estudiantes de cara a su futuro, tanto en lo personal como en lo académico, siempre con tanta profesionalidad y cercanía a la par.
   Venga, un aplauso por el legítimo valor de la enseñanza y la educación. 



  Próximamente añadiré más secuencias de esta película, porque en lo que a mí respecta me resulta una de las cintas más emotivas, ilustradoras y estimulantes sobre la educación, la adolescencia, el romanticismo y el precio de la vida.

Videoclips: 'Cause this is thriller!

¡Buenos días a todos!

    Hoy tengo el placer de presentaros una nueva sección que tenía muchísimas ganas de empezar. Hasta ahora no he tenido tiempo de ponerme a elaborar esta primera entrada en condiciones, ¡pero aquí está!

   Este especial interés que me mueve a escribir se debe a que, al fin, podré hablar sobre la fusión de mis dos grandes pasiones: el cine y la música. A modo de presentación, os comento que hablaré sobre videoclips (los más importantes, míticos, los más sorprendentes e innovadores...), bandas sonoras, títulos de crédito iniciales y musicales, canciones incluidas en algunos filmes (de género no musical)... 

   Espero que os guste y os resulte interesante. Yo, por mi parte, voy a poner mucha ilusión y empeño e intentar conseguirlo. 

  Como se merece un buen comienzo, el debut de esta sección debía ir dedicado, por supuesto, a uno de los grandes. Y si hay alguien que merezca sobresalir en cuanto a la unión de estos dos artes, por primicia, creatividad y originalidad, es el rey del pop: Michael Jackson. 

   Ese título no se lo ganó a la ligera y entre los muchos logros que le hicieron alzarse hasta lo más alto y hacerse con la corona, se encuentra la producción, pionera en el género, del vídeo musical para su canción "Thriller".

  Hace unas semanas, en clase, un profesor nos habló precisamente de lo significativo que resultó este suceso para el mundo audiovisual. Michael y su atrevida idea de realizar un vídeo con un fondo argumental (inspirado en la obra de John Landis, los hombres lobo y los zombies) y un sentido cinematográfico, cambiarían la dirección y perspectiva de la música y el espectáculo. 

   Porque, es cierto, él no creó el primer videoclip (los Beatles o Queen podrían otorgarse la autoría de su fundación ), pero él sí que imaginó y proyectó la idea moderna de lo que nosotros, hoy día, entendemos por vídeo musical.

   Hasta entonces, ningún vídeo que acompañase un tema musical había durado más de siete u ocho minutos. Sin embargo, si Jackson quería hilar adecuadamente un pequeño cortometraje con argumento, su duración debía extenderse hasta los quince minutos aproximadamente, lo que no entusiasmó demasiado a los productores. "Thriller" se trataba de un proyecto muy costoso (equivaldría a casi un millón y medio de dólares en la actualidad) y arriesgado, y nadie se aventuraba a apostar por una gloria asegurada con tan poco margen de beneficios (ya que el vídeo mantuvo el récord de mayor coste de producción, hasta que el propio cantante se pisó la conquista). 

   Pero Michael, con su carácter siempre perfeccionista y la experiencia del éxito de John Landis (director de "Un hombre lobo americano en Londres"), consiguieron borrar esas lagunas que entorpecían el proyecto y finalmente filmaron un auténtico thriller en casi una hora de material que apoyaría a la pieza musical. 

   Cabe destacar que, en la labor de realización y diseño del clip, el rey del pop nunca se subordinó a las órdenes de nadie. Él, junto al director oficial del vídeo, Landis, imponía sus propias decisiones creativas sobre el equipo. Su entrega era máxima, hasta el punto de que no utilizó ningún doble y tuvo que someterse a más de cinco horas de maquillaje diarias para la grabación. La legendaria y trascendente coreografía también fue una obra completamente suya. 

   La dificultad inventiva y técnica del corto es tan excepcional como insuperable. Las escenas de la calle fueron rodadas en exteriores de un barrio de Los Ángeles, así que poned especial atención a la fabulosa iluminación, los efectos especiales... 

   Además, todos los elementos están integrados a las perfección. Aunque el pequeño argumento que apoya las secuencias no tenga una dificultad o profundidad envidiable, en esos entonces irradiaba una frescura, inquietud y misterio sin parangón. 

 La colaboración de Vincent Price (taaan glorificado constantemente por el cineasta Tim Burton e icono del cine de terror), que aportó su voz en off a la narración y la carcajada del final, fue otro elemento estrella.

Vincent Price

  Asimismo, el rey fue coronado y se convirtió en el ídolo que aún continúa siendo tras su fallecimiento. El vídeo no solo cambió la historia musical y cinematográfica, sino que ha repercutido en ella una y otra vez desde su lanzamiento hasta nuestros días. Son tantas las versiones, los guiños, las parodias... que quizá algún día dedique una entrada entera a su recopilación. De momento, como no dispongo de tanto tiempo libre, os pongo el fabuloso videoclip, al que le debemos también la inspiración de tantas maravillas posteriores, para que disfrutéis del genio de Michael Jackson en todo su esplendor creativo. 

Mis escenas favoritas: Como desees...

Otra perlita de "La princesa prometida".
No he podido resistirme a añadir esta maravillosa escena después de la de Iñigo Montoya. Si en la anterior el sentimiento predominante era el amor fraternal y el odio, en esta lo es el amor puro y verdadero.
    Solo el cine podría idear momentos tan románticos y auténticos como este. Buttercup, quien disfruta aprovechándose de la amabilidad del joven Westley, se percata de que, escondido tras ese afán tan servicial, se encuentra una lealtad que emana de lo más profundo del corazón. "Como desees" significa "te quiero".



    Estas dos palabras (tres en inglés) tendrán una gran relevancia durante el resto del metraje, e incluso serán las responsables de un tierno momento entre el abuelo y su nieto al final.

Mis escenas favoritas: Hola, me llamo Iñigo Montoya, tú mataste a mi padre...

Iñigo Montoya, interpretado por Mandy Patinkin

"¡Prepárate a morir!"

      Venga, en serio, si hay alguien que no conozca esta escena o que no haya oído nunca estas palabras... Por favor, que se manifieste, porque tiene delito.
      Quizá en estos días "La princesa prometida" no se vea tanto por la televisión como antaño. Puede que haya envejecido un poco regular. A lo mejor hay gente que, hoy día, nunca la ha visto. Pero todo aquel que tenga un poco de idea sobre la historia del cinematógrafo, debe reconocer que esta cinta de los ochenta es la precursora de muchísimas películas de aventuras posteriores. El apuesto bandido, un romance eterno y leal, villanos memorables y secundarios entrañables, espadachines, piratas, monstruos... "The princess bride" reunió en color todos estos elementos y, aunque en su momento la recaudación en taquilla fue más bien un fracaso, el tiempo la ha convertido en una película de culto.
    Como tal, nos regala un puñado de secuencias para la memoria. Ahora, la que os pongo en cuestión está protagonizada por el espadachín español (y alcohólico) Iñigo Montoya. La legendaria venganza que se jura a sí mismo llevar a cabo cuando el hombre de seis dedos acaba con su padre, alcanza su apogeo en el desenlace del filme. Pero Iñigo ya tenía calculado, desde mucho tiempo atrás, cuáles serían las precisas palabras con las que desafiaría al asesino de los seis dedos...

   Es una lástima, pero no encuentro ni un puñetero vídeo en youtube que me permita la inserción directa en la página, así que os tendré que pegar el enlace sin más y confiar en que la curiosidad interprete adecuadamente su papel...
http://www.youtube.com/watch?v=tH1c-1eOMgg

    Al menos aquí podéis oírle decir la mítica frase en otras circunstancias, mientras le cuenta su vida a Westley antes de su emocionante duelo de espadas.



    Bueno, si hay alguien que se ha quedado con el culo torcido después de leer lo de "película de culto", ¡fijaos! ¡Hasta el humorista Goyo Giménez suele llevar una camiseta de la peli homenajeando a Iñigo Montoya! :P

   ¡Pasad un buen fin de semana!

Crítica: "La invención de Hugo"

“Vengan, sueñen conmigo” 

Vayamos, soñemos con Scorsese.

En esta ocasión voy a cambiar un poco el esquema de la crítica y voy a obviar cualquier sinopsis o algún resumen del argumento. ¿Por qué? Porque esta película, entre otras muchas cualidades de las que hace gala, tiene una gran capacidad para sorprender al espectador minuto tras minuto. Recomendaría el visionado de la propia sin una investigación previa de la trama. Id sin miedo y experimentad lo que nos propone el gran maestro Scorsese, porque además ninguno de los argumentos que circulan por la red incluye la esencia fundamental del filme.

       De este modo, voy a comenzar inmediatamente a comentar mi opinión de esta espléndida obra del séptimo arte con una breve reseña del cineasta responsable de ella.

      Martin Scorsese es un nombre que nadie desconoce o ignora en la industria cinematográfica, y esto no es por capricho. Suyas son obras maestras tan eternas “El cabo del miedo”, “Toro salvaje”, “Uno de los nuestros” o “Casino”. Su buena relación con De Niro y sus múltiples colaboraciones siempre han obtenido resultados insuperables, como demostraron en “Taxi driver”. También es conocida su labor polifacética en todo el mundillo audiovisual, aportando su granito de arena a sectores como la televisión, con series, documentales (como en la reciente “Boardwalk Empire”) e incluso publicidad (¿recordáis aquel anuncio de Freixenet?). Algunos menos sabrán que él también dirigió al mito Michael Jackson en su videoclip “Bad”. Y cualquier cinéfilo estaría de acuerdo en que su único y solitario Oscar (Mejor Director por “Infiltrados”), con tal sólida carrera a sus espaldas, sabe a poco.

      Scorsese es uno de los grandes en el panorama actual del cine, un genio. Ha tenido muy mala suerte en cuanto a premios y proyectos, pero nadie niega su maestría ni su pasión por el arte.

      En “La invención de Hugo” o “Hugo”, Scorsese nos vuelve a regalar una oda, un homenaje a la práctica que se esconde tímidamente bajo el peso de la industria y el dinero. Su agradecimiento y amor al cine ya se ha hecho patente en sus diversos documentales o tributos, y “Hugo” se suma a esa creciente lista de éxitos. Esta adaptación de la novela “La invención de Hugo Cabret” hará las delicias de cualquier amante del celuloide, por algo que contaré más adelante.

      Nunca me cansaré de repetir que desde hace ya unos años Hollywood no para de bombardearnos con remakes, versiones o adaptaciones de obras literarias que no hacen sino ensuciar, en muchas ocasiones, el prestigio del cine americano. No obstante, cuando un filme de guion adaptado está bien hecho, considero que debe ser tratado en igualdad de condiciones a cualquier otro que parta de una historia original. El cine no es fácil, señores, e incluso a veces basarse en un material ya existente y conocido por el público no hace sino complicar más la labor. La originalidad se debe premiar, pero no debe menospreciarse el hecho de multiplicar las dimensiones de una obra literaria DECENTEMENTE (absténganse “Crepúsculos” y sucedáneos).

      Aunque no he leído la novela, confío en que el trabajo de John Logan (autor del de “El aviador”) no deja nada que desear y eso se aprecia en el ritmo, el desarrollo y la variedad de género tan acertada de la trama.

     Como he comentado al principio, “Hugo” tiene facilidad para resultar sorprendente. Después de meditarlo, creo que se debe al constante ambiente de incertidumbre, de misterio y aventura que invade al espectador desde los primeros minutos de película. La decoración, los escenarios, la iluminación, los efectos… Todos los apartados técnicos, destacando la dirección artística, contribuyen a la creación de ese aura de magia e ilusionismo (no son una tontería los cinco Oscars que obtuvo en la pasada ceremonia), a parte de la historia original.  

      Pero no os equivoquéis. Aunque Hugo esté dirigido hacia un público más infantil, esté protagonizado por niños y el argumento sugiera la presencia de magia, recordad quién está a cargo de toda esta producción (casi me caigo de culo al leer en los títulos de crédito que Johnny Depp también ha metido mano en el proyecto). No vais a encontrar restos Potterianos ni semejanzas a ninguna cinta juvenil actual y de hecho, mientras lo estoy escribiendo, yo misma me estoy dando cuenta del gran mérito que supone esto.

      Scorsese y su experiencia han fabricado una película de las que te arrastran con ellas. En ningún momento te llega aburrir, se hace pesada o lenta. Te sumerges en la historia y te dejas llevar a lo largo de toda su duración siempre expectante, alerta, como esperando un milagro o un truco de magia. Por momentos, llegas incluso a creer que el autómata pueda llegar a cobrar vida (realmente, aunque se trate de un ser inerte, tiene muchísima vida y presencia en el film, hasta en algunos momentos parece que se emocione y sienta como un ser humano).

      París siempre enamora, pero si nos trasladamos a los años treinta estamos perdidos (que se lo digan a “The Artist”, ambientada también en aquella época). Una estación de tren, un par de calles, un cine y una casa, nada más. Y sin embargo, el público nos sentimos como si estuviéramos frente al escenario de un fantástico cuento de hadas. Pero en este punto he de recalcar un fallito de post-producción…: Los efectos especiales de los que hacen uso para recrear ese París del siglo pasado, chirrían y bastante. No obstante, considero que sigue mereciéndose ese pequeño Oscar a los mejores efectos por la parte de recreación de las películas antiguas, los mecanismos o el autómata (aunque bueno, rivalizaba con la última de Harry Potter… no sé yo…).

      Ahora lo importante, lo que todos estáis deseando averiguar: ¿Por qué es tan sorprendente “Hugo”? ¿Por qué se la trata de homenaje al cinematógrafo? ¿Por qué tantas nominaciones y premios?

      “La invención de Hugo” nos presenta una situación que nada tendrá que ver con el desenlace. Es más, en el inicio del film uno ni se huele lo que va a estar a punto de visionar en la gran pantalla. Empezamos en el mundo de los relojes, los robots, de los juguetes, las llaves, de los libros… Y de repente nos encontramos sentados frente a una pantalla en la que se proyecta otra pantalla de cine. Y, sin esperárnoslo, nos suenan y conocemos esas imágenes dentro de la pantalla de cine que dibuja nuestro proyector.

      Si estás leyendo esto y prefieres esperar a ver la película para degustar su arte puro, sin precedentes ni prejuicios, te aconsejo que no continúes.

      Aunque a primera vista “La invención de Hugo” nos dé la sensación de querer contarnos las vivencias de un chiquillo huérfano que vive en una estación de tren, relojero, hasta el rencuentro espiritual con su padre fallecido a través de un robot roto, nos asombra ocultando bajo esas subtramas superficiales un gran secreto: Scorsese nos está relatando la vida y obra de George Méliès. Porque ese personaje, escondido detrás del nombre de papá George en el filme, existió de verdad y se alzó como uno de los pioneros en el arte del celuloide y los efectos especiales. Toda la película, no solo la interpretación de Ben Kingsley, está rebosante del espíritu y la creación de Méliès, que tanto bebió del surrealismo y las novelas de Julio Verne.

      Pero Scorsese va más allá… Y además, con la propia película, nos transmite todas las influencias, locuras y maravillas del cineasta francés. Nos recuerda por qué amamos el cine, nos invita a soñar y no solo por las palabras que se citan del guion, sino porque el mismo Martin Scorsese pone en práctica la principal moraleja de su cinta.

“Vengan, sueñen conmigo” recita Méliès en los últimos minutos del metraje.
¡Vayamos, soñemos con Scorsese!

      A parte de la importancia de soñar y la ilusión, la cinta también nos enseña a no perder la fe y a arriesgarnos, a no darnos por vencidos ni por el mismísimo dominio del tiempo, nos instiga a desear dar con nuestros propósitos en la vida y poner todo nuestro empeño en realizarlos.

      Sinceramente, para los que amamos el cine estas pequeñas joyas del celuloide como “Hugo” o “The Artist” nos resultan experiencias muy estimulantes y nos llenan de ilusión. Tiene narices que las mejores películas de este año sean claras referencias a los inicios del cinematógrafo… Y eso me hace pensar. Aunque el cine haya evolucionado, quizá los cineastas de hoy día deberían aprender del nacimiento de la propia industria de la que forman parte. O, mejor dicho, de las maravillas que se creaban en la edad de oro del séptimo arte, capaces de entretener, ilusionar, embaucar, emocionar y enamorar a su público poniendo énfasis en los factores que realmente importan a la hora de filmar una película. A lo mejor así tendríamos una cartelera de mayor calidad y entrega, sin tener porqué sentarnos frente a un dramón o cinta profundísima-filosófica-inentendible para ver algo realmente bueno en todas sus dimensiones.

      Scorsese, por su parte, está más que claro que resucita toda esa esencia del arte en el cine, sobre todo en “La invención de Hugo”:  la maquinaria de los sueños. Y en esta, como en las verdaderas obras de arte, cada engranaje dispone de una precisión perfecta y cuidada para transportar al espectador a cualquier otro mundo. Gran montaje, gran fotografía… Son tantas cosas a tener en cuenta…

     Solo tengo un último “pero”. Los personajes me parecen demasiado planos a veces, el del niño protagonista principalmente.

     En cuanto a la interpretación de los actores… Ben Kingsley también es otro grande en esta industria. Qué decir de él. A los niños, Asa Butterfield y Chloe Moretz, les pasa como a casi todos los de su quinta en este mundillo… La falta de experiencia les provoca una inevitable sobreactuación puntual, pero al final del metraje se han hecho un huequito en tu corazón. Sacha Baron Cohen sigue demostrando su vena cómica y su carácter polifacético (además su personaje me huele mucho a un guiño a Chaplin… a mí este tío me cae muy bien). Y las apariciones fugaces de Christopher Lee y Jude Law son muy memorables (sobre todo la del primero, que en tan pocos minutos de aparición se luce como nadie).

Recomiendo encarecidamente esta película a todo cinéfilo. Hacedme el puñetero favor. Sabed que no es una película solo para niños o jóvenes, así que también se la recomiendo a  mis colegas, a mis amigos, al vecino de enfrente… ¡A todos!

     Más adelante haré un reportaje sobre George Méliès, ya que quizá debería haber hablado más de él… Pero no quiero abusar del espacio y quería enfocar la atención en esta joyita del cine actual. Grande Scorsese. 

CALIFICACIÓN: 9’5 

Mis escenas favoritas: Somos los hijos malditos de la historia

De "Fight Club" o "El club de la lucha" se pueden sacar muchas perlas que ya han pasado a la historia del cine. Unos jovencísimos Brad Pitt y Edward Norton en la piel de dos personajes tan enigmáticos como carismáticos, nos acompañan de la mano durante más de dos horas repletas de filosofía y nihilismo.
    Si algo tiene "El club de la lucha" que la hace tan especial, a parte de la violencia explícita y el sorprendente desenlace, es su manera tan amena y entretenida de desenmarañar la filosofía de la cultura y la sociedad actual. Nos entrega el vacío, el hiperindividualismo, el hombre masa, el sueño americano, el narcisismo o el hedonismo (entre otras) ocultos entre metáforas visuales y memorables monólogos (¿hay alguien que haya visto la película que no conozca las reglas del Fight Club?).

     Esa facilidad para trasladar la cruda realidad a imágenes y palabras con franqueza y claridad, e incluso con socarronería, picardía y sátira, del magnífico David Fincher, nos regala momentazos como el que os traigo a continuación. Resume contundentemente el alma y el sentido de la cinta, y quizá también resume ciertos aspectos de nuestras vidas. Sea como sea, da que pensar:

Mis escenas favoritas: Lo nuestro no acabó. ¡Jamás ha acabado!

Una nueva secuencia, esta vez para los más románticos.
Aunque no me parece la mejor escena de "El diario de Noah", es la que más me emociona sin contar con el final. Después del reencuentro, Noah y Allie se dejan llevar por la pasión. La tensión sexual, el cariño, la añoranza, la rabia, el amor... Las emociones se desatan al mismo tiempo que la tormenta.
    El momento de la barca, rodeada por patos y cisnes, en el que se respira reconciliación, tranquilidad y se deja entrever la complicidad aún existente entre los personajes, deja paso a una serie de confusas emociones, tales como la alegría, el rencor y la tristeza. La naturaleza se desborda, al igual que los corazones de la pareja protagonista.

     Os dejo que disfrutéis la escena, aunque siempre os recomendaré que veáis después la versión original de la misma, que os pongo a continuación (que además tiene mejor calidad de vídeo).



Quién le iba a decir a Ryan Gosling que pasaría de un drama romántico a películas como "Drive" o "Los idus de marzo"... Atentos a este chico, porque en un futuro cercano dará mucho que hablar.

Mis escenas favoritas: Déjame que sugiera el carácter de esta dramatis persona... Voilà!

Otra de mis escenas preferidas. Esta vez forma parte de una película más reciente, de la pasada década. Pertenece a la adaptación cinematográfica (tan criticada como aclamada) del cómic "V de Vendetta", del gran Alan Moore.

     Aunque, ciertamente, esta secuencia en concreto no se la debemos al genio de Moore, sino a los responsables del guion que se tomaron tantas libertades con su creatividad: los hermanos Wachowski. Escrito por y para la película, este discurso de presentación del personaje protagonista, V, se lleva la palma. Esta colosal aliteración tan melódica, acompañada de una banda sonora que aumenta su intensidad hasta el climax, y de la ambientación íntima, oscura y misteriosa, encierra la personalidad de V tanto en el contenido como en la forma. 

   Y qué decir de la abrumadora interpretación de Hugo Weaving. Una maravilla. Sin mover apenas un pelo, tan solo manejando una proyección de voz más que increíble, te hace emocionarte al son de su discurso. Incluso la primera vez, que el espectador medio seguro que casi es incapaz de entender ni una puñetera palabra de lo que dice, consigue transmitir todas las sensaciones que sugieren la descripción de su persona. Otro aplauso para los Wachowski.

   Sé que la adaptación al castellano es más que maravillosa y no tengo ninguna queja al respecto (es más, pido el reconocimiento del gran Armando Carreras, un profesional en lo suyo, actor de doblaje) pero, por favor, escucharla en versión original con la voz en vivo del mismo Weaving es superior, así que ya estáis dándole al play: 

También, aquí os dejo el discurso en inglés en la tipografía de la película. Muy recomendable para leerlo tranquilamente.

Mis escenas favoritas: ¡Luz de mi vida! No voy a hacerte daño...

Toca inaugurar una nueva sección, esta vez dedicada a mis escenas favoritas de algunas películas. Qué mejor manera de bautizarla con una leyenda del cine, bajo la dirección de un genio, Stanley Kubrick.

      Esta escena siempre me pone los pelos de punta. Jach Nicholson labrándose su futuro como uno de los actores más grandiosos de la última generación y hasta ahora. En este momento, en "El Resplandor", Jack Torrance pierde por completo la cabeza. 

     Yo considero que Nicholson es el único que habría sido capaz de darle tanta credibilidad a una secuencia con unas líneas tan descabelladas y disparatadas. En ninguna ocasión se deja siquiera entrever ningún indicio de sobre-actuación o exageración. Esa mirada, ese tono de voz, esas gesticulaciones... Joder, nadie me podrá negar que es acojonante, hablando claro y pronto.

      Por si queréis recordar este mítico momento que pasó a la historia del cine, os dejo un par de vídeos. Por favor, los fans de Kubrick tenéis que hacerme el favor de ver la versión original. El diálogo se entiende a la perfección y se puede comprobar la maestría del gran Nicholson en todo su esplendor. Lo digo porque el doblaje en español de "El resplandor" es uno de los peores crímenes que se han cometido contra el séptimo arte. Sin embargo, en esta escena, al menos el personaje de Jack Torrance, todavía está pasable, aunque nada comparable al original. Así que ahí van: 

Y no dejéis de ver la ya mítica parodia (aunque no sea la única) que hicieron en los Simpson. "Sin tele y sin cerveza Homer pierde la cabeza"